tisdag 30 oktober 2012

En superschysst skilsmässoplatta

Black Country Communions tredje och sista(?) platta är deras bästa. Ett ypperligt exempel på att man gör gott i att inte ha för mycket demokrati i ett band.

Med tanke på att det här förefaller vara bandets svanesång, borde kanske en helt annan pippi pryda omslaget på Black Country Communions tredje studioalbum Afterglow. Tvärtemot vad som sägs i alla tillrättalagda intervjuer i samband med skapandet av den här skivan, likväl som de två tidigare, så känns det som om BCC har varit ett tämligen skakigt projekt från allra första början. Supergrupper plägar gärna vara så, och med ett såpass uttalat färdigsatt koncept som producent Kevin Shirley skapat för den här konstellationen var det svårt att verkligen ta bandmedlemmarnas försäkringar om broderskap och äkta bandkänsla på allvar. Icke desto mindre har jag uppskattat båda de tidigare alstren för sin klassiska sjuttiotalsrock framförd med sammanbiten panache av Glenn Hughes och kompani. Därför känns det verkligen synd om det nu skulle visa sig att det här är det sista vi får höra av BCC eftersom Afterglow är det klart bästa bandet åstadkommit.

Glenn Hughes står för den absoluta lejonparten av låtskrivandet den här gången. Tydligen var det från början meningen att låtarna skulle förekomma på en ny soloplatta från Glenn, men han valde att ta med sig materialet till bandet istället, kanske för att det inte blev någon tid över till gemensamma låtskrivarsessioner, eller för att det material de skrivit tillsammans helt enkelt inte höll måttet. Det gör samtliga 11 låtar här, från inledande "Big Train" med Hendrix "Machine gun"-vibbar till avslutande Kashmiriga "Crawl". Däremellan kan man njuta av höjdarspår som "This is Your Time" med svängigt riff eller "Midnight Sun" som med Sherinians keyboardintro leder tankarna till Deep Purple cirka Burn eller Stormbringer. Titelspåret  lånar  mycket av Zeppelin och "The Circle" skulle kunna ersätta "Mistreated" i vilket Purple-set som helst. "Common Man" snor visserligen riffet från Rushs "Tom Sawyer" men har i övrigt en såpass egen still att man överser med stölden. "Dandelion" och "The Giver" är lugnare historier vilket gör att den här skivan sammantaget är bra mycket softare än sina två föregångare.  Det känns  också som att valet att låta Glenn huvudsakligen stå för låtskrivandet har skapat en mer tydlig och enhetlig stil. Där de två tidigare skivorna försökte kombinera allt från Free, Bad Company, Zeppelin, Purple och Sabbath med ren Heavy Metal befinner sig Afterglow i ett tryggt rike där endast Purple och Zeppelin är gudar. För många kockar på soppan och det där...

Låtarna är snabbt inspelade, live i studion, vilket också skapar en mer angelägen ton och stämning, jämfört med tidigare. Om framförandet går det inte att skriva annat än superlativ. Främst Hughes imponerar i sedvanlig stil. Att den mannen inte får tarmvred varje gång han sjunger är för mig ett rent mysterium.
Är det något litet negativt jag har att tillägga, så är det att allt är så tydligt skrivet efter en mall. "- Nu ska vi spela klassisk sjuttiotalsrock med alla ingredienser, grabbar". Skillnaden mellan BCC och de klassiska band de inspireras av är att Purple och Zeppelin inte försökte göra klassisk sjuttiotalsrock, de gjorde bara musik.

Som sagt, här finns mycket att gilla och om det nu skulle visa sig att Afterglow blir det sista bandet gör ihop så vore det synd, när de så tydligt verkar vara på rätt väg.

onsdag 24 oktober 2012

Ett framsteg som sneglar bakåt

När Dave Matthews återknyter med  Steve Lillywhite som producerade bandets bästa nittiotalsalster, låter det generellt huggarns bra, om än lite väl vuxet.

När jag fick se omslaget till DMBs nya skiva trodde jag först att det var fråga om en EP med överblivna alster från Groogrux-sessionerna 2009. Det är nämligen samma beigebruna färger och samma spretiga teckningstil på Away From the World som på föregångaren Big Whiskey and the Groogrux King (Dave själv står bakom båda illustrationerna). Fast där slutar likheterna.
Där Groogrux var en ösig platta med kompakt (lite väl kompakt) ljudbild och ovanligt mycket distad gitarr, sneglar uppföljaren snarare  tillbaka till bandets tre första skivor. Det är inte så konstigt, med tanke på att Steve Lillywhite är tillbaka i producentstolen. Lillywhite anses av många vara en integrerad del i DMB:s tidiga sound, och lika viktig som George Martin för Beatles, Bob Ezrin för  Alice Cooper eller Jack Douglas för Aerosmith.
Jag gillade Groogrux King mycket när den kom för tre år sedan. Den var uppsluppen, desperat och till viss del kanske påeldad av sorgen efter saxofonisten Leroi Moore.  Tyvärr har jag en annan bild av skivan nu några år efteråt. jag har inte lyssnat på den lika mycket som de tre klassiska första skivorna. Låtmaterialet har inte fastnat alls på samma sätt. Visst, "Funny the Way It is" och "Shake Me Like a Monkey" i all ära, men resten då? Njae...
Away From the World är mycket mer lågmäld och introvert. men låtarna... Åh, de håller så mycket längre! Mest underbar är vackra och enkla "Sweet" men det finns mycket annat gott att smälta på plattan också. Inledande "Broken Things" är klassisk DMB, "Belly Belly Nice" funkar loss precis som "Shake it Like a Monkey gjorde på Groogrux. "Gaucho" är alls ingen cover på Steely Dans låt med samma namn (hur hade det låtit, månntro?), utan snarare ett argentinskt klingande mysmonster som leder tankarna till "Two Step" från Crash. Singeln "Mercy" är lite för anonym för att falla mig fläsklikt på läppen. "The Riff" börjar lugnt men ökar i både tempo och arrangemang till en riktig ösare. Sedan sviktar det lite med några svagare spår i "Belly Full" och "If Only" innan plattan avslutas i imponerande stil med "Rooftop", "Snow Outside" och "Drunken Soldiers". "Rooftop" speciellt har en härligt hängig bluesig refräng som sätter sig kvar i skallen.
Jag tror  över huvud taget att Away From the World kommer att växa och stanna kvar längre än vad föregångaren gjorde. Att bandet nu återförenade med Lillywhite skulle låta precis som sina tre första skivor är det ingen risk för. Det har gått snart 20 år sedan debuten Under the Table and Dreaming och alla medlemmarna är idag halvgrånade familjefäder med mer ödmjuk och eventuellt också uppgiven syn på världen. Det är ok, de får de gärna ha så länge de låter så här bra. 

torsdag 20 september 2012

Kan öronen trilla av?


Ghaaaaaah! Med så mycket spännande ny musik i höst,hinner jag bara inte med!

Det var då själva hin, vad mycket intressant musik det väller ut i höst och vinter! Man har knappt börjat sätta sig in i en skiva, förrän nästa står och pockar på uppmärksamhet. Jag ska försöka hinna med att skriva lite mer utförligt om några av mina favoriter den närmaste framtiden men tills dess får ni hålla till godo med denna guide på nyligen släppta och nära förestående releaser...

Nyligen släppt:


ZZ Top- La Futura

Nej, julen kommer inte tidigt i år, det är bara Skäggen från Texas som kommit ut ur idet och släppt nytt material. Nytt är förvisso ett relativt begrepp när man snackar ZZ Top, men jag måste ändå säga att producentmaestro Rick Rubin har plockat fram det bästa ur gubbarna utan att de lämnat den gamla uppstampade stigen.

Lynyrd Skynyrd- Last of A Dying Breed

The South will rise again! När hände det senast, att både Lynyrd och ZZ Top släppte nya skivor samtidigt? Jag såg Lynyrd i somras på Sweden Rock och de har fortfarande ett självklart Clintan-gung i sin sydstatsrock, ett gung som överförs felfritt på skiva också.

Rush-Clockwork Angels
Kanadicktrion är inne i en sällsynt pigg period. Förra studioplattan Snakes and Arrows var helt exellent och nya alstret går inte av för hackor heller. Bandets första riktiga konceptalbum. Köp!

Ian Hunter- If I Was President
Ian Hunter (eller som vi säger i sverige-Janne Jägare) har också varit inne i ett schysst skov på de senaste skivorna. Nya If I was President är inget undantag. Cool blandning av gammal pubrock och mer eftertänksamt singer/songwriter-material.

Dave Matthews Band- Away from the World
Att Dave återknutit kontakten med gamle succéproducenten Steve Lillywhite innebär att musiken blivit aningens mer luftig och poppig än den var på förra plattan. Mer djupgående analys kommer inom kort på dessa sidor.

Gin Lady- Gin Lady
Norrländska symfonirockarna Black Bonzo tröttnade på symfonierna och ville köra mer raka rör i rocken. Då bytte de namn och proppade vattenpipan full med Purple, Free och Uriah Heep och gick över till fyrtakt. Inte mig emot när det låter så här frejdigt. Däremot tvivlar jag på att killarna uppskattar att deras musik får epitetet frejdig...

Little Feat- Rooster Rag
Det bästa Feat släppt ifrån sig i studioväg sedan Lowell George dog- och det är ändå 33 år sedan! Mer utförlig recension kommer senare...

Marillion- Sounds that Can't Be Made
Har inte haft möjlighet att höra skivan än, men är sugen.

Ben Folds Five-The Sound of the Life of the Mind
Yes, they're back! Kanske höstens bästa skiva! Fullständig recension kommer snart!!!

Magnum- On the 13th Day
Pomprockarna från Birmingham släppt nytt igår. Har inte hunnit lyssna än.


Kommande skivor:
Black Country Communion släpper sin tredje studioplatta i oktober
John Hiatt släpper nya Mystic Pinball 25 september
Muse släpper nya 2nd Law i oktober (och kommer hit på turné i december)
Kiss släpper nya Monster 9 oktober
Aerosmith släpper nya Music from Another Dimension (proddad av Jack Douglas) 7 november
Beth Hart släpper Bang Bang Boom Boom i oktober
David Hidalgo (Los Lobos), Mato Nanji och Luther Dickinson släpper projektet 3 Skulls and the Truth 25 september.
Steely Dans Donald Fagen släpper nya soloplattan Sunken Condos 16 oktober.
Phishs Trey Anastasio släpper nya soloplattan The Traveller  samma dag.





tisdag 18 september 2012

Don today, here tomorrow

Steely Dans Donald Fagen är tillbaka med ny singel, och helt album i oktober!

Från och med idag kan man lyssna på Donald Fagens nya singel "I'm Not the Same Without You" på Rolling Stones Magazines hemsida. Hela albumet som går under namnet Sunken Condos släpps 16 oktober. Yeayh! Det ser ut att bli en skivhöst utan like. 

lördag 15 september 2012

Ständigt denne Shirley…




Grottmannen Kevin stoppar sitt finger i alla möjliga artisters grytor. Här har vi ett litet urval av hans senaste hopkok.
Producenten Kevin ”Caveman” Shirley har tagit över rollen som den självklare rockproducenten efter gamla storheter som Martin Birch, Bruce Fairbairn, Mutt Lange och Bob Ezrin. Det är till och med så att man skulle kunna likna honom vid Rick Rubin såtillvida att Shirley söker upp artister på gränsen till genombrott, eller artister som gått i stå, för att ge dem en boost in i den nutida musikvärlden. Och han gör det utan några större åthävor. Det är ingen Phil Spectorsk ”Wall of Sound” eller Mutt Langes kemiskt renande klor-bad som artisternas musik utsätts för när Shirley är där och rattar. Snarare verkar han uppmuntra dem till engagemang och lustfyllda uttryck, och det om något är väl en duktig producents främsta uppgift?
Shirley började sin bana som musiker i eget band men gick sedermera över till produktionsjobb. Han har bland annat producerat Aerosmith, Iron Maiden, Rush, Dream Theater och Journey och har dessutom varit involverad i Led Zeppelins multisäljande DVD. De senaste åren har han varit den guidande handen bakom Joe Bonamassas framgångar och dessutom klumpat ihop honom med Glenn Hughes och de andra i supergruppen Black Country Communion. I våras producerade han Europes senaste album Bag of Bones.
Den sista tiden har Shirleys signum varit att bluesifiera rockartister eller omvänt rocka till gamla bluesherrar. Man kan tycka att denna verksamhet i längden leder till likriktighet -att vi får en hel hoper med artister och band som spelar samma typ av avslagna medelväg av bluesig trött gubbrock, men lyckligtvis har Shirley haft den goda smaken att välja artister som alla har tillräckligt egna uttryck för att kunna bibehålla sina egna stilar. Som till exempel…


Robert Cray band
Nothin’ But Love
Robert Cray slog igenom mot slutet av åttiotalet med sin moderniserade bluesrock som lånade fräschör från soul och R n’ B. Även om jag diggat Crays musik med jämna mellanrum genom åren så har han kommit att försvinna från min radar det sista decenniet. När nu Kevin Shirley tagit över vid mixerbordet tycker jag mig ana en nytändning hos Cray. På Nothin’ But Love har han inte bara slutit fred med sitt gamla klassiska kompband utan har också hittat ett giftigare bett i både sång och gitarrspel. I ”I’ll Always Remember You” backar ett storband upp så man får Sinatravibbar. Annars är musikstilen densamma som på tidigare plattor. Snygg sommarbrisig blues med inspiration av gitarrhjältar som Albert Collins och Hendrix. För att parafrasera mannen själv i ”A Memo”; I aint got Nothin’ but Love for Robert Cray, Yes I do!


Beth Hart
Bang Bang Boom Boom
Det händer att jag tänker på Alanah Myles när jag hör Beth Hart. Tyvärr. Båda damerna lider av samma syndrom, att ha en härligt rivig röst med mycket känsla i, att ha hamnat snett efter försök att leva upp till rock’n roll myten (även om Beth tagit sig ur drogträsket), och slutligen, att inte ha tillräckligt bra låtmaterial för att slå igenom på bred front.
Men det händer att jag tänker på Sam Brown också, när jag hör Beth Hart. Och Janis Joplin, Tina Turner och Billie Holliday, gubevars! Beth Harts röst ger ett benrangel ståpäls, speciellt när hon sjunger om självupplevda tuffa perioder och lägger ner själ och hjärta i texterna. Albumet Leave the Light On från 2003 är kanske det bästa exemplet på hennes tidiga stil. Förra årets coverplatta Don’t Explain som hon spelade in ihop med Joe Bonamassa (och som såklart producerades av Kevin Shirley) var en rolig bekantskap, men en artist med sådant personligt uttryck som Hart förtjänar att höras sjunga nytt fräscht eget material. Det gör hon återigen på nya Bang Bang Boom Boom som släpps i oktober. Inspirerad av arbetet med coverplattan verkar Beth ha bestämt sig för att hålla sig kvar inom blues- och soulområdet och hennes röst kommer verkligen mer till sin rätt på den här typen av material. Undantaget inledande snyftaren ”Baddest Blues” och några spår till så får vi på nya plattan stifta bekantskap med en gladare och mer harmonisk Hart än man varit van vid tidigare. musiken andas positivism och Beth sjunger till och med om lycklig kärlek! Det spretar friskt stilmässigt med allt från gospeldrypande ”Spirit of God” via countryjazzga titelspåret och tunga ”Better Man” till storbandsstruttig Billie Hollidayblues i ”Swinging My Thing Back Around” . ”The Ugliest House On the Block” låter som en Sheryl Crow-låt sjungen av Tracy Chapman. Skivan känns omedelbar och live-aktig och det får jag tro är Kevin Shirleys förtjänst. Växer gör verket för varje lyssning i alla fall.
 
John Hiatt
Mystic Pinball
Shirley producerade redan på förra plattan Dirty Jeans and Mudslime Rhymes som var en återgång till god form. På nya Mystic Pinball som släpps 25 september, fortsätter samarbetet. Har inte haft möjlighet att höra plattan än, men är den i samma klass som föregångaren har vi en ämabel höst att se fram emot. Hiatts låtar har genom åren gjort störst succé när de spelats in av andra, som Bonnie Raitt mfl. Fast han är minst lika bra, om inte bättre på att framföra sin musik på egen hand. Med sin sandblästrade röst och fantastiska låtkänsla hör Hiatt till de största singer/songwriters som USA producerat, klart i samma liga som Zevon, Browne, eller Mellencamp.



Black Country Communion
Afterglow
Shirley var spindeln i nätet som fångade Joe Bonamassa, Glenn Hughes, Derek Sherinian och Jason Bonham och lyckades få in dem i en studio tillräckligt länge för att de skulle kunna glömma sina egna egon och hitta musikalisk magi ihop. Med medlemmar från Deep Purple och Led Zeppelin(i princip) och bluesens nye fixstjärna i konstellationen är det inte konstigt att musiken andas Free, Bad Company, och ovan nämnda giganter. Sådana låtar skriver Hughes och Bonamassa i sömnen utan problem. Det spännande är hur drivna och engagerade de luttrade veteranerna blir i varandras sällskap. Kevin Shirleys input i hela projektet märks tydligt, från ledning till inriktning på musiken och i ett självklart handlag vid inspelningsbordet. På bar tre år har bandet släppt två studioalbum och en liveplatta (och DVD) och i oktober kommer nu tredje studioverket Afterglow. Det är en utgivningstakt som liknar sjuttiotalet. Om man går igång på blytunga riff och afghandoftande komp så är en ny BCC-platta är ett solklart köp utan att ens ha lyssnat innan. Fast recension kommer på dessa sidor i sinom tid.

Joe Bonamassa
Driving Towards The Daylight

Joey Bones är så vansinnigt produktiv att mitt matsmältningssystem inte hinner med att bearbeta hans senaste platta förrän nästa ligger på skivtallriken och pockar på att spisas. Det här är Kevin Shirleys och Bonamassas sjunde samarbete på sex år. Driving Towards The Daylight kom i våras och innehåller liksom de tidigare 3-4 studioalbumen en lagom blandning av nytolkningar av gamla bluesstandardnummer och ett gäng nyskrivna av Joe själv, som låter precis som de gamla. Sin vana trogen har han även med ett gäng gästmusiker, denna gång bl.a. Aerosmiths ene gitarrist Brad Whitford, trummisen Anton Fig och gitarrist Pat Thrall. Jimmy Barnes sjunger skrevet av sig på en nyversion av sin egen låt "Too Much Ain't Enough Love". Coola versioner av Howlin' Wolfs "Who's Been Talkin'" och Robert Johnsons "Stones in my Passway" blandas med rejält omtolkad Tom Waits i "New Coat of Paint" . Inledande svängiga "Dislocated Boy" är det bästa Bonamassa skrivit själv på många år. Över huvud taget är skivan ruffligare och mer orakad än vad Joe åstadkommit tidigare. Kanske har arbetet i BCC smittat av sig. Trots snygga coverversioner och profsigt spel så har jag svårt att riktigt njuta in i hjärteroten av Driving Towards the Daylight. Därtill känns den tyvärr lite för mycket som snabbmat. Live finns det mycket gott att säga om Joe. Studioplattorna känns ibland som ursäkter för att få åka ut och turnera mera. 

torsdag 13 september 2012

Hellsingland Underground; Ljusdals Hjältar



Robbie Robertson skakade på huvudet. Det var verkligen en konstig samling figurer som satt utspridda på stubbarna där på kalhygget mitt ute i skogen.
The Bands gitarrist och huvudsaklige låtskrivare hade hamnat på en äkta hälsingsk Stubba-Fest. Ett sådant där norrländskt skogsröj där alla tar varsin dunk hemkört, går ut på närmsta kalhygge och tålmodigt, metodiskt och tillsammans med andra, men ändå i ensamhet på sin egen stubbe en bit bort, super ner sig till apstadiet.Men här verkade ändå finnas någon form av gemenskap. Det gladde framför allt Robbie att hans gamle trätobroder från The Band; trummisen Levon Helm, satt på en rotvälta inte långt ifrån honom och trummade spattigt på stammen så den döda barken flög.
Men här var en salig blandning på klientelet. Mike Scott från the Waterboys var såklart för fin för vanlig finkel. Skotte som han var satt han vingligt på sin stubbe och tog rejäla klunkar ur en flaska Cragganmore. Mellan munfullarna skrålade han sina typiskt ödsliga melodistämmor som på något sätt ändå passade förvånansvärt bra ihop med gitarrslingorna från Brian Robertson och Scott Gorham som satt uppbackade med ryggarna lutade mot varandra och fyrade iväg riff som gick in och ur varandra i ett spiralspel. Det andra gitarristparet som satt en bit bort och liksom Thin Lizzy-killarna lutade sig rygg mot rygg och eldade upp varandra med smakfulla licks, var Slash och Izzy Stradlin från Guns n’ Roses. Ryan Adams släntrade över till dem med en joint och nynnade med i musiken.
Ian Hunter och Rod Stewart skrek ikapp för att höras över Crazy Horses oväsen när de försökte få till ett groove att följa Neil Young, men Neil var fullt upptagen med att lära sig riffet till ”Back In Black” av sin namne Angus Young. Och borta i björkdungen slogs nuvarande medlemmar i Lynyrd Skynyrd med de äldre döda från samma band i en konstellation som kallade sig the Grateful undead.  Men The E-Street Band gick emellan och medlade och drog igång ett långvarigt jam. Ja, där var ett liv och ett kiv. Och ändå så lät alltsammans homogent. Och med en alldeles egen doft av komocka, grovsnus och lingonris. Robbie Robertson kunde inte annat än le. Det måste vara något i Ljusnans vatten, tänkte han…
Hupp, där vaknade jag upp ur min konstiga dagdröm. Så blir det när man somnar med hörlurarna på. Att lyssna på Hellsingland Undergrounds tredje skiva Evil Will Prevail sätter lätt igång sådana där tankar. Bandet kan verkligen sin rockhistoria och plockar friskt ur den, men där Hellisngland Underground skiljer sig från andra artister som endast stannar vid plagiatstadiet är att de lyckas mixa en fet gumbo av alla influenser och sedan krydda med det viktigaste för en lyckad spis- egen personlighet och charm.

”Bra för att va svenskt”, skaldade Magnus Uggla ironiskt en gång. Bra för ATT det är svensk vill jag säga i Hellsingland Undergrounds fall. Jag förstår att grabbarna är stora i Tyskland. Deras Ljusdalsversion av Americana mixad med klassisk sjuttiotalshårdrock har en glädje och eufori i topparna och en melankoli som endast ett åk i Järvsöbacken kan skänka en kille som vet hur jobbigt det är med blöta lovikavantar. Och den blandningen kan man inte få till i Rockens hemländer USA och England. Det gör dem unika.
Efter att ha lyssnat igenom skivan ett otal gånger har jag fortfarande ingen självklar favorit. Det är helt enkelt en fulländad fullängdare. Jag skulle kunna raljera i tid och otid om inledande ”Singing While the World Dies” som i texten nämner fenomenet gömda porrtidningar i skogen, eller singeln ”The Lost River Band” med sina stackatoriff och sitt powerpopsväng, eller titelspåret som minner om sorgligt insomnade svenska kolleger som Stonecake, Sweet Chariots eller Thousand Dollar Playboys. ”King Of Nothing” är en Simon & Garfunklig ballad som växer upp i stratosfären med hjälp av en sakral hammondorgel. Möjligtvis jublar jag minst åt ”In The Evening” som inte har något med Led Zeppelinlåten att göra utan leder snarare tankarna till Dire Straits dansbandsplåga ”Walk Of Life”. Nåväl. Någon smolk i bägaren får väl finnas ändå. Wabi-sabi för fan! Extra snyggt då med avslutande ”They All Grew Old While I Grew Young” som börjar så mjukt och vackert och bygger upp med Lizzygitarrer och November Rain-feeling till ett härligt klimax.
I en höst fullkomligt fullspäckad med intressanta releaser (Lynyrd Skynyrd, ZZ Top, Aerosmith, Dave Matthews Band, John Hiatt, Ben Folds Five, Little Feat,Marillion) känns det härligt att säga att ett av det mest intressanta och angelägna albumen i år kommer från Bandyns mecca; Ljusdal!

måndag 10 september 2012

Tag plats, nu går tåget!

Tufftufftuff, glädjen står högt i tak när superbrittiska Big Big Train levererar ny musik

Yes alltså! nej, nu menar jag inte symfonirocklegenderna. Första meningen var bara ett allmänt personligt glädjeuttryck för att Big Big Train behagat skänka världen ljuvlig musik igen. Men det är kanske passande att nämna Yes i den här texten. Och Genesis. För Big Big Train skulle inte finnas utan de två progressiva behemoterna från sjuttiotalet. Därmed inte sagt att Big Big Train är plagiatörer, men deras musikstil är klassisk brittisk progressiv rock med låtar uppåt tiominuterstrecket och pastorala tongångar färgade av mellotron, stråkar och blås. Mer brittiskt än trekantiga toasts (varför envisas engelsmännen med att kapa brödskivorna på mitten föresten?) och lemon curd, salt and vinegar chips och Boddington-öl.
Big Big Train har existerat i mer än 20 år, men i tämligen blygsam form. Sist de spelade live var tio år sedan. Efter det har de bytt medlemmar ganska regelbundet och sakta men säkert skapat allt mer angelägen och intrikat musik. Själv fick jag verkligen upp ögonen för bandet på deras förra fullängdare The Underfall Yard som släpptes 2009 och hamnade tvåa på min topplista det året. Det var också bandets första skiva med David  Longdon som sångare. På nya English Electric Pt1 (ja, det är sant, en pt 2 kommer senare i höst!!!) har de två tidigare gästmusikerna trummisen Nick D'Virgilio (Ex- Spock's Beard) och gitarristen Dave Gregory (Ex-XTC) blivit permanenta medlemmar och sångaren Longdon är mer varm i kläderna. Det här är symfonirock när den är som allra bäst. Känslosam, vacker, krävande, svepande, avancerad utan att bli pompös och navelskådande. Melodierna svävar ut med friska dofter av ljung från hederna och glädjepiller som "Uncle Jack" får mig att le och nynna. efterföljande Winchester From St. Giles' Hill är mer majestätisk och tillbakalutad. Här finns myckat att upptäcka och njuta av. Bara det frekventa användandet av det typiskt brittiska ordet hedgerow tyder på genialitet. Det här är inte bara det bästa Big Big Train gjort hittills, det är en av årets bästa plattor alla kategorier. Den som inte håller med efter att ha lyssnat på skivan skall jag personligen utsätta för en english fish slapping dance a la Monty Python.

fredag 31 augusti 2012

Några små ord om Jon Lord

Att maestro Jon Lord gick ur tiden i somras gör att hösten ser ännu lite gråare ut.

Den 16 juli avled Jon Lord, och förlorade därmed en tids kamp mot cancern. Trots att jag visste om att han var sjuk, var nyheten ganska oväntad och sorgen som slog mig var jag oförberedd på. I takt med att jag blivit äldre har min vurm för idoler och kändisar minskat om möjligt ännu mer, framför allt som jag genom åren fått möjligheten att intervjua många av de musiker jag beundrar. Jon Lord fick jag aldrig chansen att träffa, men ändå känns det som om jag kände honom på något sätt. Jag har lyssnat så mycket på hans musik och hört och läst så många intervjuer med honom att jag tycker mig kunna bilda mig en ganska god uppfattning om hans personlighet. I den dysfunktionella familj som Deep Purple var, kändes Jon som en värdig morfar som skakade på huvudet åt de största utsvävningarna och alltid behöll en typisk brittisk värdighet. Faktum är att han med åren utseendemässigt kom att växa in i sin personlighet som redan från början var den distingerade silverfärgade gentlemannen, även om han under sjuttiotalet mer såg ut som en ensemblemedlem från musikalen Hair, och under åttiotalet odlade någon form av Men in Black-look med ständiga solbrillor och mörka kläder.

Jons betydelse för mitt favoritband och rockmusiken generellt går inte att överdriva. Hans mullrande hammondorgel kommer för alltid att vara essensen i Purples sound och fortsätter att så vara även om det är många år sedan han lämnade bandet. Lyssna bara på orgelsolot i "Pictures of Home" och håll sedan käften.

En personlig favorit för mig i Jons solokatalog är plattan Before I Forget från 1981. Där försökte han sig, efter ett antal skivor med klassisk musik, på att göra en mer regelrätt popsoloplatta med allt från rock och honky tonk till vackra pianoballader. Första sidan spretar åt alla håll med poprock tillsammans med Bernie Marsden, medeltidsmetal med ondskefullt trumlande av Cozy Powell och symfoniska lekar i "Bach onto this". Andra sidan är mer tillbakalutad och bjuder framför allt på en av de vackraste instrumentala bitar som någonsin skrivits i "Burntwood", med magiskt bandlöst basspel av Neil Murray.  Ett Youtubeklipp på låten hittar ni här
Vila i Frid, Jon. Du fattas oss!

söndag 15 juli 2012

Rockig sommar!

Njutande i fulla drag av den svenska sommaren (lite regn rör inte en rockkock!) tittar jag in här på bloggen för en snabb uppdatering med en länk till en Spotifylista som ni kan digga i hällregn såväl som solsken. Det är en eklektisk blandning med både gammalt och nytt, internationellt och svenskt. Här finns listan att ladda ner. Glad sommar! Jesper

onsdag 20 juni 2012

Bea, sweat Bea!


Man klarar inte en helg på Sweden Rock Festival utan minst en bearulle...
Sverige drunknar i en bearnaiseflod varje sommar. Här kommer ett chyrrans recept på hemlagad bea för dig som vill impa på partner eller polare.

Det vore kul att se siffror på hur mycket Lohmanders och lallerstedt och alla de andra tillverkarna av färdig bearnaisesås säljer varje sommar här i sverige. Ja, de kränger nog saftigt med sås året om föresten, men just till grillmiddagarna flödar bean extra rikligt. Mitt recept nedan är ett hopkok av olika recept där jag provat mig fram. Att ha i lite rostad tomatpuré gör att det egentligen blir en så kallad Choronsås, men grunden är ju en klassisk bea. Tomatpurén blir pricken över I.et som gör att såsen funkar ÄNNU bättre till grillat, framför allt lamm.

Hemmagjord Bea
4 portioner
Reduktion:
1 finskuren schalottenlök
3 msk färsk persilja
2 msk färsk dragon
4 msk rödvinsvinäger
4 msk vatten

Fräs grönsakerna i lite olivolja. Tillsätt vinägern och vattnet och låt koka tills hälften återstår. Ställ åt sidan.

Såsen:
4 äggulor
200 g smält smör
1 msk tomatpuré
1 msk färsk hackad dragon
1 msk färsk persilja

Vispa äggulorna med lite vatten i kastrull på svag värme tills det tjocknar. Smält smöret. Låt både smör och ägg svalna så pass att de har samma temperatur. Häll långsamt och försiktigt i smöret i äggkastrullen och rör om hela tiden. Här kan det hända att såsen skär sig. Se till att både smör och ägg är rumstempererade och vispa rejält. Häll i reduktionen genom en sil. Fräs 1 msk tomatpuré med olja i en panna nån minut. Häll i purén i bean. Tillsätt hackad dragon och persilja, lite salt och peppar och Voilá, en egen supersmarrig bea till kvällsgrillningen!

onsdag 6 juni 2012

Huka er gubbar och käringar, nu laddar de om!


Robben Ford och Mike Landaus kompisband släpper nytt material, och det är inga blankskott som går iväg.

Även om jag visste att gitarristerna Robben Ford och Mike Landau var goda vänner och gärna spelade tillsammans så blev jag aningens överraskad när deras gemensamma projekt Renegade Creation dök upp med sitt debutalbum för två år sedan. Och då menar jag positivt överraskad. Att Ford och Landau är överdängare på sina instrument är inget nytt- och att Jimmy Haslip inte bara låg inne med sjuttiotalets mest hälsosamma polisonger utan även har renommé som maestro på bas efter otaliga sessioner och ständig närvaro i Yellowjackets, tja det var heller inget att maila in till Aftonbladet om (inte för att AB hade haft någon nytta av den informationen även om de hade mottagit den). Men att de tre tillsammans med trummisen Gary Novak (Chick Corea, Alanis Morisette mfl) skulle kunna skriva så pass spännande material som de gjorde på debuten, det var jag faktiskt inte beredd på.  En härligt otvungen mix av blues och rock med lite utflykter i fusionträsk utan att det hela blev gubbigt, det är vad herrarna åstadkom.

Nu är uppföljaren Bullet här och den är laddad med tio spår i samma anda som föregångaren. Förutom att kvartetten är samspelad upp till tänderna och får det att svänga enligt konstens alla regler så är Fords och Landaus olika röster den riktiga behållningen. Robben Ford har en varm och ganska svag röst som påminner lite om Neil Youngs mindre gnälliga stunder. Mike Landau låter mer som en sönderrökt Mark Knopfler och lyckas lägga en skitig patina över de annars lite väl snygga kompositionerna. Naturligtvis är det en fröjd att höra de två gitarristernas nästan telepatiska samspel och det verkligen kliar i öronen att få se och höra bandet live (de var här för något år sedan och det lyckades jag naturligtvis missa, fool that I am). Personliga favoriter på skivan är tunga ”On A Mountain”, vackra ”Nazareth” (där Ford sjunger  som Neil Young), glädjespridaren ”People Like Me” och coola "High And Low" som påminner om något som skulle kunna komma från Landaus gamla band Burning Water. I väntan på nästa livekonsert med Renegade Creation är studioplattan Bullet utmärkt som soundtrack under sommaren.

söndag 3 juni 2012

Ett sista glas Ween?

Har Ween spelat sitt sista utdragna rundgångsskärande gitarrsolo?

Den spaceade duon Ween som förgyllt musikvärlden med sin befriande respektlösa och spretiga rock i drygt tjugo år verkar ha gjort sitt. I samband med att ena delen i duon; Aaron Freeman (även känd under artistnamnet Gene Ween) har släppt sitt första soloalbum Marvelous Clouds uttalade han sig i Rolling Stones Magazine med kommentarer som att lät påskina att det inte var troligt att han och Mickey Melchiondo (Dean Ween) skulle släppa någon mer skiva ihop under namnet Ween.

Gene Ween säger att bandet är upplöst.
I så fall är det bara att tacka och buga för de skratt och galna upplevelser duin bjudit på genom åren. Och kanske lyssna en gång extra på någon av bandets mästerverk, varför inte Chocolate & Cheese?

Kolla på några roliga Weenvideos som Beatlespastischen "Even if You Don't" Här
Eller lyssna på ko-boogie a la Ween i "Piss Up a Rope" Här
Eller varför inte en liten kärleksförklaring till Morrisey här?

fredag 30 mars 2012

Stjärnklart!

Ringo Starrs All Star band är mer stjärnfyllt än någonsin!


För ett par veckor sedan utannonserade Ringo Starr vilka musiker han tar med sig ut på turné i sin trettonde upplaga av Ringo Starr's All Starr Band. Och det är en ganska imponerande lineup. Förutom gamla trotjänare som Todd Rundgren, Richard Page (Mr Mister och Pages), trummisen Gregg Bissonette (Dave Lee Roth band) och saxofonisten Mark Rivera (Peter Gabriel, Billy Joel) ingår nu också Steve Lukather och Gregg Rolie (Santana, Journey) i kompbandet. Fett med flashigt flånkigt folk.
Kan man hoppas på ett besök i Sverige?

tisdag 27 mars 2012

Mycket Väl Godkänt!


”To pass with flying colours” är ett gammalt engelskt uttryck som fritt översatt betyder att klara uppgiften med den äran. Det kan tyckas väl kaxigt att döpa ett bandprojekt till just Flying Colors- det är som om ett svensk band skulle döpa sig till MVG. Men i just det här fallet så passar det sig utmärkt, för Flying Colors debutplatta är glädjande nog precis så bra som jag hade hoppats.

Det här projektet innehåller medlemmar från flera av mina absoluta favoritband. Steve Morse är shreddaren i nöden som tog över gitarristrollen i Deep Purple efter Ritchie Blackmore i mitten på nittiotalet. Innan det spelade han i Kansas och med underbara Dixie Dregs. Neal Morse är sångaren och keyboardisten som startade Spock’s Beard bara för att lämna det bandet när de var på väg att slå igenom på bred front. Mike Portnoy är känd som en av rockvärldens mest välrenommerade trummisar, främst genom sitt arbete med Dream Theater. Minst kända i projektet är kanske basisten Dave LaRue, som spelar med Steve Morse i hans soloband och med Dixie Dregs, samt sångaren Casey McPherson från amerikanska Coldplaypopparna Alpha Rev.
Både Portnoy och Steve Morse är kända för att vara musikaliska gunslingers som hoppat med i alla möjliga konstellationer för att få bort kliet i fingrarna, men till skillnad från många andra musikerprojekt- i alla fall sådana som Mike Portnoy varit delaktig i- så handlar projektet Flying Colors väldigt mycket om melodierna och inte om att visa upp sina tekniska übertalanger.

Det här är en spretig skiva som bjuder på allt från funk med halmstrå i mungipan till smäktande ballader och power metal. Och ändå håller det ihop. De medverkande musikernas respektive egenheter märks tydligt i musiken. Steve Morse karaktäristiska köttiga riff och porlande tonkaskader dyker upp här och var, liksom Neal Morses orgel och känsla för melodier. Sångaren Casey McPhersons sångröst gör också sitt till för att skapa en mer enhetlig bild och framför allt egen karaktär eftersom han inte har en typisk melodiös rockröst.


Skivan inleds med imponerande ”Blue Ocean”, en svängig bit som växer sig mäktigare fram till refrängen och bjuder på en inspirerande mix av country, snygg körsång och Steely Danvibbar. ”Shoulda Coulda Woulda” är en mycket hårdare bekantskap med malande riff och distad sång. Sedan har vi ”Kayla”- en sådan där fantastisk känslostormande hyllning till en kvinna att man önskar att ens fru kunde byta namn bara så att man kunde tillägna den här låten till henne. Min personliga favorit på skivan, no doubt. I ”The Storm” kommer McPhersons kärlek till engelsk stadiumpop a la Coldplay och Keane fram, men GitarrMorses ljudbild och KeyboardMorses körer leder låten över Atlanten. I bryggan går tankarna snarast till symfonirockarna Kansas. I ”Forever in A Daze” är LaRue tumme med sitt instrument och de funkiga tongångarna leder tankarna till Red Hot Chili Peppers. Fast med bättre sång. ”Love is What I’m waiting For” i sin tur, doftar Queen och i balladen ”Everything Changes” misstänker jag att Beatlesfanatikern Neal Morse haft mer än ett finger med i spelet. Och ändå inleds spåret med en keltisk gitarrslinga som tagen från Steve Morses soloalbum High Tension Wires. Två ballader på raken drar tyvärr ner tempot på skivan lite väl mycket och därför är jag personligen minst imponerad av ”Better Than walking away” av de elva kompositionerna vi föräras. Utan att det egentligen är något fel på låten. Så fisig är jag.


Foto: Mårten Olsson


Jaha, så för att väcka oss ur slummern efter de lugnare partierna så kastar sig herrarna huvudstupa ut på ett slagfält med blodiga yxor och svettiga pannluggar. ”All Falls down” är som en parodi på Manowar fast med snygga gitarrer! Det är både skrattretande och bra på samma gång. Och de som skrattat mest är nog musikerna själva under inspelningen av denna testosteronstinna pekoral. ”Fool in My Heart” är sådär soligt poppig som Spock’s Beard kunde vara när de var som snällast. Och som för att verkligen överaska oss en sista gång så avslutar den omaka orkestern sitt album med en tolv minuter lång progsymfoni i ”Infinite Fire”.
Här finns således inte mycket att klaga på. Esset i skivans rockärm är Casey Mcpherson som med sin speciella röst, seriösa textämnen och drömska sångmelodier skapar något helt nytt i kombination med de mer klassiskt skolade rockrävarna, som alla uppenbarligen haft kalas under inspelningarna. Här finns mycket kul att lyssna på i varje låt. Tillsammans med Van Halens senaste är detta det största glädjeämnet under den här våren.

Och ja, till och med skivomslaget är något alldeles eget. Första gången på länge som ett sådant fått mig att reagera positivt.

tisdag 20 mars 2012

Ångbastu, någon?



Visst har vi hört det förut. Men det behöver inte betyda att det är dåligt.

Philip Sayce är ytterligare en av de där irriterande talangfulla nya bluessnubbarna som tycks ha fått allt, från mjällfritt hår och grop i hakan till flinka gitarrfingrar och ett snitsigt set med gyllene stämband. Men till skillnad från exempelvis Joe Bonamassa, som klär sig i kostym och låter sin blues vara mer stilren, håller sig unge junker Sayce i skramligare domäner och låter sig inspireras mer av Hendrix och SRV än BB King.
Sayce som ursprungligen är walesare men vuxit upp i Kanada, har förtjänat sina ridsporrar genom spel på skivor och turnéer med bland andra Melissa Etheridge och Uncle Cracker. Hans tidigare soloalster har varit habila om än något anonyma historier.  Särskilt förra albumet Ruby Electric, som får anses vara hans genombrott, var både för slick och strömlinjeformad för att riktigt falla mig på läppen. På nya studioalstret Steamroller har dock Sayce slängt all takt och stil överbord och kastar sig handlöst ut i Paisleymönstrad protopunkig Hendrixextravaganza och mestadels ösig bluesrock. Titelspåret osar svett lång väg, liksom merparten av låtarna på skivan, några få ballader undantagna. Det svänger riktigt bra- gränsar till och med till fränbar funk i bästa Princestil ibland- och uppvisar en generell feeling av ståfräs och uppsluppen replokalseufori.  Sayce är som sagt en hejare både på strängbänderi och att sjunga. Det han möjligtvis saknar är den där lilla extra gnistan i låtskrivandet. Hans val av musikstil- rå bluesrock, kanske inte kräver några större innovationer eller nytänkande utan fungerar bäst när det framförs med panache. Och ändå är det just där som min stillsamma lilla invändning kommer in. Ok för att inte vara innovativ, men ska du generera exceptionell personlighet och känsla i sådana här låtar, ja då måste du sitta inne med tjogvis av den varan.
En som obekymrat stjäl som en korp ur rockhistorien är Lenny Kravitz. Det finns inte ett enda  Zeppelinriff, bob marley-gugning eller Lennonackordvända som han inte återbrukat någon gång på någon av hans skivor. Men ovanpå stöldgodset strösslar Kravitz rikligt med sin egen personlighet och det gör att han kan komma undan med sina nokturna nidingsdåd. Det där strösslet sakna Sayce.
I slutändan kan man likna Steamroller vid en schysst ångbastu. Den rensar örongångarna och man blir ren som en nyponros. Den lämnar inget större bestående intryck, förutom svettiga öron, men det kanske är alldeles tillräckligt som kvällsnöje då och då.

Kolla på en ösig video av titelspåret Steamroller här


fredag 24 februari 2012

Spock’s Beard vänder blad


Spock's Beard
The X-Tour Live


Spock’s Beard gillar liveskivor. Om det fanns en klubb för artister som släpper ohemula mängder officiella konsertupptagningar så skulle det amerikanska progrockbandet helt klart platsa, tillsammans med grupper som Dave Matthews Band, Deep Purple,Grateful Dead, Styx och Pearl Jam. Detta blir bandets nionde liveskiva sedan starten för 20 år sedan. Det är nästan lika mycket som bandets hela studiooutput. Idén är inte dum. Spock’s Beard må ha scennärvaro som en femteklass på skolavslutningsframträdande men deras samspel och musikaliska ekvilibrism är något att beskåda och njuta av i kubik. Dessutom är faktiskt de flesta av liveplattorna essentiell lyssning, eftersom de skiljer sig rejält åt. Låtmaterialet varierar kraftigt då det oftast varit baserat på den senaste studioskiva de för tillfället turnerat med. Så är det också i det här fallet. På The X-Tour Live spelar bandet sig igenom hela det senaste albumet X, för att därefter avsluta med en lagom samling av äldre favoriter.

Just det här livedokumentet är intressant på flera plan. Dels var X inte bara en ovanligt bra Spock’s Beard-skiva, utan också en som betytt mycket för bandet emotionellt. Den är tydligen den skiva som de alla är mest nöjda med och det märks lite extra i liveframförandet av låtarna. Några inspirerade jamsessions bjuds vi inte på, men ett fläckfritt framförande nästan not för not . Vad bandet inte visste vid tiden för inspelningen var att detta skulle bli sångaren och trummisen Nick D’Virgilios sista skiva med Spock’s Beard. Nick lämnade i höstas för att ersättas av sångaren Ted Leonard och trummisen Jimmy Keegan. Därmed kan man säga att Spock’s Beard med detta släpp- för att citera Sveriges för tillfället mest uppmärksammade morfar- vänder blad.

När bandet gav en spelning på Sweden Rock Festival i somras använde de sig av den nya sättningen, även om den då inte var officiell. Leonard hoppade in som ersättare för D'Virgilio. Låtvalet på den här liveskivan är i stort sett detsamma som spelades på den för övrigt excellenta spelningen. Av de spelade icke-X-låtarna är ”The Doorway” och ”Thoughts” alltid lika härliga att höra. ”June” må vara en fantastisk ballad men den finns dokumenterad minst tre gånger på tidigare livealbum och känns därmed lite överflödig. Ryos keyboardsolo är sedvanligt svettigt och trumduellen mellan Keegan och D’Virgilio är alltid lika rolig, och lämnar här en bitterljuv känsla efter sig eftersom det med största sannolikhet är sista gången vi får höra den.

Jag spelar sällan liveskivor i samma utsträckning som studioskivor (förutom Live and Dangerous och Made in Japan) så X-Tour Live lär inte slitas ut i första taget, men som Spock’s Beardfan ser jag den som en självklar medlem i samlingen. Skivan finns både som DVD och dubbel-cd. Här finns all anledning att tänka över inköpet. Den som förväntar sig visuella proggteatrala framträdanden i stil med Peter Gabriel eller Fish bör nog sänka sina förväntningar till mer moderata nivåer. Men en hemtrevlig energi infinner sig förvisso på scen. Den energin upplevs alldeles utmärkt även utan bild.
Ryo Okumoto leker oorganiserad organist under Spock's Beards spelning på Sweden Rock Festival i somras.

torsdag 16 februari 2012

Organisk spis skänker mer frid än energi



Michael Landau Group
Organic Instrumentals


Michael Landau hörde jag första gången i början av 1980-talet, på gruppen Maxus enda album, där hans gitarrslingor förgyllde de pigga poprockkompositionerna. Sedan dess har han profilerat sig som en av de mest anlitade och respekterade studiogitarristerna i hela världen och har spelat på album som Michael Jacksons Bad och Pink Floyds A Momentary Lapse of Reason och hundratals andra plattor med allt från Chicago, Joni Mitchell, Alanis Morissette, Rod Stewart, Julio Iglesias, Pink, Dolly Parton och Bonnie Raitt till Eros Ramazzotti och Mariah Carey. Med så pass späckat spelschema är det otroligt att han dessutom hunnit med att ge ut så mycket eget material. Förutom ett par soloplattor har det även blivit skivor med egna gruppen Burning Water och projekten Raging Honkies, Hazy Jane och Stolen Fish och nu senast Renegade Creation (med polaren Robben Ford) och som grädde på moset frekvent turnerande med powertrion the Michael Landau Group. Nu har gruppen gett ut sitt första studioalbum bestående av 10 helt instrumentala kompositioner. Förutom den vanliga gruppsättningen med Landau på gitarr, Andy Hess på bas och Gary Novak på trummor, medverkar en hel del gamla polare på skivan som t.ex. Jimmy Haslip, Vinnie Colaiuta och Mikes bror Terry Landau.

Vanligtvis när det gäller gitarristers soloplattor finns det två vägar att gå. Antingen är det fråga om navelskådande gitarronanier som plockar poäng hos musiker men går resten av världen tämligen obemärkt förbi. Inom den genren arbetar guragurus som Jeff Beck, Steve Vai och Joe Satriani. Eller så försöker gitarristen flexa mer än sin fingerfärdighet genom att fokusera på låtmaterialet och gärna sjunga själv. inom den genren hittar vi Totos Steve Lukather, Queens Brian May,och varför inte Joe Bonamassa, John Frusciante (ex Red Hot Chili Peppers) eller Mark Knopfler?

Landau har provat på båda stilarna men den här gången har han valt att ge ut en helinstrumental historia med bakåtkammad jazzlugg och melankoliska bluestoner som ibland söker sig ut i öde fusionlandskap. Det som man hittar minst av här är regelrätt skitig rock. Helt klart mer Kind of Blue än Electric Ladyland.

Inledande ”Delano” sätter tonen direkt med tillbakalutat häng i svänget. Larry Goldings mäktiga Hammondorgel skapar här mysig atmosfär. Mycket av materialet påminner faktiskt om filmmusik i så måtto att de är stora på målande bilder men mindre så på lättmemorerade melodier. Och det är mycket jazzigt. Och bluesigt. I ”Big Sur Howl” färgar trumpetaren Walt Fowlers (Zappa) ödsligt slöa tutningar natthimlen ännu lite mer mörkblå.

Och så rullar det på. Ibland, som i "The Big Black Bear" tar det initialt fart, men även här glider det snart över i smakfulla men lågmälda jam.
Det är något alldeles speciellt med Landaus tonkänsla och anslag som man kan känna igen oavsett vilken musik han spelar, men personligen tycker jag att den kommer allra mest till sin rätt när det raspar loss i hans mer rockiga stunder. På Organic Instrumentals är de få och långt emellan.

Samtidigt är detta ingen besvikelse i musikalisk bemärkelse. Om man, som jag landar i acceptansen att plattan i mattan uteblir till förmån för smoke rings i kvällsfåtöljen så kommer skivan att snurra även i er stereo mången blå timme.

Men nästa gång kan vi kanske hoppas på lite mer bett i yxan? Det vore väl en nåd att stilla bedja om...


Här kan ni se och lyssna på en liveversion av studiospåret "Ghosts and the Goblins"

fredag 10 februari 2012

Strange love, eller hur jag slutade ängslas och lärde mig älska den nya Van Halen-plattan



Det handlar helt om inställning. Att sluta bäva och börja häva. Sprätta en solljummen Budweiser och skåla för att mäktiga Van Halen är tillbaka!

Ända sedan det i höstas stod klart att det faktiskt skulle komma en ny Van Halen-skiva, den första sedan 1998 och den första med Dave Lee Roth på sång sedan 1984, så har jag gått och småbävat. Med de senaste 15 årens turer i Van Halen-lägret(rykten om återföreningar, fel återförening, alkoholproblem, vägran att närvara vid sin egen invigning i rock'n roll hall of fame, slutlig riktig återförening, fast inte ändå för då fick originalbasisten sparken och ersattes av Eddies egen son!)så har man kanske rätt att bäva lite. Samtidigt är väl det lite av charmen med Eddie och hans gäng, att man inte riktigt vet vad man kan förvänta sig. En annan stor faktor att ta i beaktning i detta fall är tiden. Mycket har hänt under de 14 år bandet hållit sig från listorna. Något man redan från första början måste ha klart för sig när man närmar sig den här nya plattan är att Van Halen av idag är ett band som under inga omständigheter kan jämföras med det från 1984.

Jag är inte ute efter att vara någon slags åldersdiskriminerare, många är de artister genom rockhistorien som utvecklats och fortsatt skapa relevant musik långt efter femtioårsstrecket. Musik är inte nödvändigtvis något enbart förunnat ungdomlig eld och entusiasm men en viktig faktor i Van Halens tidiga framgångar var dock att de var ett band som förutom banbrytande musikaliska förmågor hyllade sommar, Kaliforniens sol, collegebrudar och Jack Daniels. Och David Lee Roth var den lejonmanade högsparkande Dionysos som ledde backanalen med vargflin och vickande arsle. Den Dave som framträder idag är mer av en mysgubbe med keps och de grå tinningarnas charm och det är en faktor som man motvilligt måste acceptera om man över huvud taget ska kunna klara av A Different Kind of Truth.

Det första som slår en när man lyssnar på skivan i helhet, är att det är en mycket ärlig skiva som är gjord med stort hjärta och utan ängsliga blickar åt trender eller ens åt vad die hard-fans kan tänkas vilja ha av en ny Van Halen-platta. Och därmed har de paradoxalt nog lyckats med just det, såvida inte fansen lider av den inskränkta förhoppningen att de ska bli återförda till sin egen ungdom med allt nostalgiskt det innebär av enklare mer sorgfria dagar och soliga öldränkta somrar.

Nej, man ska inte jämföra detta med gamla Van Halen. Samtidigt har gubbarna krånglat till det lite för sig genom att själva vara nostalgiska. Flera av låtarna på A Different Kind of Truth är nämligen, antingen i helhet eller i delar, bestående av äldre material, somligt så gammalt som 37 år, från innan bandets debutalbum! Nya singeln ”Tattoo” har samma riff och melodi som ”Down In Flames” som spelades live 1977 men aldrig getts ut officiellt på skiva. Samma sak gäller ”She’s the Woman” som är en låt som fanns med på den demokassett från 1977 som gav bandet skivkontrakt med Warner Bros. Den gamla bryggan i mitten användes till ”Mean Street” på höjdarplattan Fair Warning 1981 men resten av låten är oanvänd. Även utan bryggan är det en av mina favoriter utav de tidigare outgivna demolåtarna. Också ”Bullethead” är en gammal låt från 1977 som ibland gått under namnet ”Bang bang”. ”Big River” är gamla demolåten ”Big Trouble” med ny text och ”Outta Space” är en ny version av ”Let’s Get Rockin’”- också den från 1977. ”Beats Workin’” hette i tidigare demostadie ”Put Out the Lights”. ”Blood and Fire” har hämtat riffet från en instrumental låt som spelades in av Eddie 1984. Samtliga gamla låtar har dock uppdaterats ganska rejält, framför allt genom att Dave skrivit nya texter. Och allt är naturligtvis nyinspelat. Jag har inget emot att man gått tillbaka för att hämta material som inte använts tidigare. Det är inget nytt, det har många band gjort förr. Rolling Stones hämtade i princip allt material på Tattoo You från äldre inspelningar. Dessutom är de flesta fans inte lika anala som jag som sitter med ett trettiotal gamla demos och livebootlegs med bandet så för de flesta kommer detta att vara tidigare helt ohörd musik.

Men här finns också ett gäng nyskrivna låtar, och flera av dem hör faktiskt till något av det hårdaste som bandet gett ut på skiva. A Different kind of Truth är därmed inget som jag ostraffat kommer undan med att spela i bilen på familjesemester, därtill är den alldeles för skränig och rufflig, nästan som tidiga plattor som Women and Children First eller tidigare nämnda Fair Warning.

”China Town” är både hård och snabb, klart tuffast på skivan. ”As Is” drar igång med djungelrytmer från farbror Alex och mynnar ut i en klassisk Van Halen-boogie i stil med gamla godingar som ”I’m the One”, ”Bottoms Up” eller ”Hot for Teacher” . ”Honeybabysweetiedoll” är det mest experimentella på skivan. Någonstans där inne anar man likheter med ”Hang e’m High” från Diver Down, en låt vars stil Eddie försökt återskapa många gånger genom åren.”You and Your Blues” är det närmaste man kan komma en regelrätt hitsingel av de 13 låtarna. I stil påminner den mest om något som skulle kunna förekomma på Diver Down eller 1984, eller till och med på senare skivor med Sammy Hagar vid micken. Möjligtvis saknar man här Michael Anthonys karaktäristiska stämma i körerna. Ersättaren Wolfgang; Eddies tjugoårige son, må vara duktig på basen men har inte samma ljud i skällan som sin föregångare. Funkiga ”Trouble With Never” låter helt nyskapande och fräsch och innehåller ett av Eddies mest inspirerade solon på skivan. Den sista helt nyskrivna låten är ”Stay Frosty”, ett ypperligt exempel på Van Halen när de är på bushumör. Tänk ”Ice Cream Man”, ”Big Bad Bill” eller varför inte David Lee Roths soloprestationer som ”Ladies Night in Buffalo” eller ”Sensible Shoes”.

Förväntningarna hos hårdrocksvärlden har verkat höga och diskussionerna om "bra eller anus" rasar bland fans på forum på nätet. En hel del av förhandskritik och förhoppningar har jag svårt att förstå mig på. Vad förväntar sig folk, att det ska låta ens i närheten av energin och svettutsöndringarna från debutplattan? Det är ju idioti! Killarna är nästan 40 år äldre, har inget mer att bevisa, vare sig musikaliskt eller kommersiellt och egentligen inget att kämpa för. Med tanke på hur skivmarknaden ser ut idag kommer de inte heller att komma i närheten av en bråkdel av försäljningen de haft på sina tidigare album. Bara det tyder på att de gjort den här skivan för att de själva vill, av rent konstnärliga anledningar helt enkelt.

I slutändan handlar det helt enkelt om inställning. Om man kan se att killarna har haft roligt när de spelat in musiken, att Eddie Van Halen fortfarande visar att han är en musikalisk magiker, både ifråga om teknik, ton och känsla- och om man uppskattar att Diamond Dave åldrats med något som nästan kan misstas för grace, ja då kan man faktiskt inte göra något annat än att älska A Different Kind of Truth. Det har jag bestämt mig för att göra. Skål, gubbar!

fredag 3 februari 2012

En titt i kristallkulan 2012


Kom in i Sibyllakiosken! Den store Jesperdamus anar ljuv musik i framtiden…

Nejmen se där, en gammal bekanting. Jag visste att du skulle titta in här på min blogg. Det är ju liksom grejen med att vara spågubbe, att jag kan se in i framtiden. Din extraladdare till mobilen ligger bakom skohyllan i hallen föresten. Nåja, nu är du ju inte här för att hitta borttappade prylar, den där fick du bara som en bonus. Du är här för att få veta vad du ska spara dina surt försnillade sekiner till när det gäller skivinköp under våren. Och då kan jag säga så här. Sätt igång och försnilla like a motherfucker för i år ser det ut att bli en särdeles trevlig utdelning på skivfronten, framför allt när det gäller gamla rocklegender. Låt oss skingra på rökslöjorna lite (släck ciggen, tack) och skåda in i kristallkulan…


Van Halen släpper sin skiva A Different Kind of Truth om bara några dagar, dvs. på tisdag 7 februari. All hajp runt albumet kan förefalla lite konstig i svenskars ögon, men man får inte glömma att Van Halen alltid varit massiva i sitt hemland. Bandet är det tionde bäst säljande bandet genom tiderna i USA med ca 57 miljoner sålda plattor. Förhoppningarna är nog lite överdrivna och folk som förväntar sig en skiva i stil med 1984 lär bli grymt besvikna men själv ser jag fram emot plattan enormt. Förhoppningsvis är gubbarna sanna mot sig själva och försöker inte leva upp till sin gamla legendstatus. Det blir Van Halen, men på ett eget sätt, så som de är idag. En annan sanning, helt enkelt. A different kind of Truth…
Och vad ser vi här borta i dimmorna då… Något färggrant… En supergrupp på min ära! Flying Colors (ja, amerikansk stavning) består av veteraner som trummisen Mike Portnoy (Ex-Dream theater, Transatlantic och tusen olika projekt), gitarristen Steve Morse (Deep Purple, Kansas, Dixie Dregs m.m), basist Dave Larue (Steve Morse Band, Dixie Dregs),keyboardisten Neal Morse (Ex Spock’s beard, Transatlantic) och relativt okände sångaren Casey McPherson (Alpha Rev). Vilken lineup! Av medlemmarna är jag faktiskt mest begeistrad över sångaren McPerson som blivit något av en favorit här i spågubbetältet med sitt band Alpha Rev och plattorna New Morning och The Greatest thing i ever Learned. Deras musik kan bäst beskrivas som en amerikansk variant av Coldplay, fast bra. Det i kombination med Portnoy och Morsearnas mer klassiska rock- och prog-bakgrunder bådar för något mycket intressant. I mars vet vi svaret då plattan kommer.
Huruvida det blir någon ny Black Sabbath-skiva med originaluppsättningen kan jag faktiskt inte se i min kristallkula. Sikten skyms av ett par rutiga yfrontskalsonger på ett gigantiskt arsle innuti ett par genomskinliga kalasbyxor, tillhörande trummisen Bill Ward. Apropå kalsonger, Kiss släpper nya plattan Monster under våren. Mer intressant är att de gamla grungekungarna Soundgarden och Alice in Chains båda släpper nytt i år. Och i maj kan vi se fram emot kanadensiska powertrion Rush’s nya verk Clockwork Angels, liksom ny studioplatta med Aerosmith, den första med helt nyskrivet material sedan skitskivan Just Push Play från 2001. Förvänta er även nytt från The Cult, Ufo, Lynyrd Skynyrd , Marillion, Heart och tomteskäggen i ZZ Top. Bluesrockstjärnskottet Philip Sayce släpper sin Steamroller nu i februari, och supergitarristen Michael Landau levererar en instrumental platta. Och Ginger från Wildhearts har knåpat på ett ambitiöst trippelalbum som släpps nu i februari. Håll även ögonen öppna efter debutalbum från svenska tunggungarna Hong Faux. Och ja just det, Deep Purple har annonserat att de ska släppa ett nytt studioalbum, men inte förrän nästa år.

Såja, där har ni en hel del att spara till. Nu måste jag gå, för Anders Borg har bokat tid för att kolla in den framtida konjunkturen. See Ya Soon, det vet jag.

lördag 28 januari 2012

Elefantemannen lever!

John Elefante rör på sig och ber om hjälp från fansen att avsluta sitt nya album.

" I am mot an animal, I am a human being!"
Nä, det var inte den förre Kansassångaren som uttalade de berömda orden, utan hans namne John Hurt som spelade Elefantmannen på film.Varför jag över huvud taget har med de orden i detta inlägg är nog bara för att glänsa med min begränsade men stiliga allmänbildning.Effektsökeri på bekostnad av en duktig sångares något egensinniga efternamn. Ja, jag är en låg människa. Men märk väl, inget djur.

John Elefante är den energiske lille krulltotten som tog över efter Steve Walsh som sångare i Kansas när denne lämnade bandet 1981. Elefante sjöng på två skivor; Vinyl Confessions och Drastic Measures innan bandet packade ihop 1984, bara för att återuppstå igen 1986, men då med Walsh åter på sång.

Elefante gick vidare till att skriva musik och producera- ofta tillsammans med sin bror Dino och gärna för det kristna amerikanska rockbandet Petra.
Han har släppt några skivor på den kristna marknaden, i olika konstellationer, antingen solo, med sin bror eller under bandnamnet Mastedon (icke att förväxla med metalbandet Mastodon).

Nu är Elefante på gång med ny musik men behöver finansiell hjälp för att kunna avsluta skivan. Liksom tidigare Marillion och Spock's Beard tar Elefante hjälp av fansen och erbjuder olika former av belöningar för ekonomiskt stöd.

Man kan höra ett kort ljudexempel här om vart skivan är på väg rent musikaliskt. Det låter tämligen likt Elefantemannens tidigare output, en svulstig poprockmix med stora doser av Kansas och Boston (ojdå, geografiskt värre!)

På finansieringssajten Kickstarter kan man bidra med en slant för att Elefante ska ha råd att slutföra inspelningen. Gå in på denna sida och kolla.